Regarder une photographie de Santu Mofokeng est souvent une leçon de ralentissement. Ses images ne s’appuient pas sur le spectacle ou sur le poids dramatique de la souffrance pour capter l’attention. Au lieu de cela, ils demandent aux téléspectateurs de passer du temps avec les personnes à l’intérieur du cadre, de reconnaître leur humanité au-delà des circonstances qu’ils ont vécues et de comprendre que même si l’apartheid a façonné leur vie, il n’a jamais pleinement défini qui ils étaient.
Pour de nombreux Sud-Africains devenus majeurs dans les années 1980 et au début des années 1990, la photographie était souvent synonyme de lutte. Les journaux et les magazines regorgeaient d’images de violences policières, de funérailles de masse, de rassemblements politiques et de communautés confrontées à un État oppressif.
Les photographies documentaient une réalité que de nombreuses personnes, notamment en dehors de l’Afrique du Sud, avaient besoin de voir. Ils ont également créé un langage visuel à travers lequel la vie des Noirs est de plus en plus associée au conflit, à la résistance et à la douleur.
C’est dans ce paysage que le photographe Santu Mofokeng, né à Soweto, a émergé, apportant avec lui une façon de voir radicalement différente car il était moins intéressé par la photographie de l’histoire en tant qu’événement que par la photographie de la vie telle qu’elle était vécue par des gens ordinaires essayant de donner un sens au monde qui les entourait.
Dans le documentaire, Santu Mofokengréalisé et produit par Minky Schlesinger, le photographe revient sur un moment qui a modifié sa façon d'aborder son travail, rappelant comment, après avoir photographié Soweto et exposé les photographies au Market Theatre, « j'ai réalisé que les réalités de Soweto que je représente dans les photographies ne se traduisent pas nécessairement », dit-il dans le film.
Cette affirmation peut paraître simple en apparence, mais elle cache un défi profond qui a troublé des générations de photographes, de journalistes et de documentaristes : qui peut interpréter une image et que se passe-t-il lorsque les personnes photographiées ne sont pas les mêmes que celles qui consomment l’œuvre ?
Mofokeng poursuivait en expliquant que les habitants de Soweto ne se reconnaissaient souvent pas dans les photographies que les étrangers trouvaient convaincantes, une révélation qui l'a forcé à affronter la possibilité inconfortable que les photographies puissent parfois dire la vérité tout en la manquant.
« Cela m'a sensibilisé au problème que je fais des photographies mais les gens qui voient mon travail ne viennent pas nécessairement de Soweto », dit-il.
La question qui s’ensuivra deviendra l’une des préoccupations déterminantes de sa carrière. Si la photographie devait avoir un sens, si elle devait avoir une réelle valeur au-delà des galeries, des institutions et des pages de journaux, alors elle devait sûrement avoir de l'importance pour les personnes dont elle documentait la vie ?
Ce qui a suivi a été une expansion de ce que pourrait être la photographie documentaire. Au lieu de se concentrer exclusivement sur les moments de crise, Mofokeng a tourné son attention vers des moments qui attiraient rarement l'attention du public, des moments souvent trop ordinaires pour les journaux et trop subtils pour les gros titres, mais qui contenaient l'essence de la vie des gens.
Il a photographié des familles rassemblées dans des demeures modestes dont les murs portaient les souvenirs accumulés par des générations.
Il a photographié des congrégations religieuses trouvant un refuge spirituel dans un pays déterminé à leur refuser toute dignité.
Il a photographié des gens à Shebeens riant, dansant et oubliant momentanément les fardeaux qu'ils portaient.
Il a photographié des travailleurs voyageant, des voisins discutant et des communautés se rassemblant, non pas parce que les scènes étaient extraordinaires mais parce qu'elles ne l'étaient pas.
Ce qui rend les photographies si puissantes, c’est qu’elles refusent de réduire les gens à des symboles.
Les hommes et les femmes qui apparaissent dans les images de Mofokeng ne sont ni présentés comme des victimes attendant d'être secourues, ni transformés en archétypes héroïques destinés à servir un récit politique. Ils existent en tant que personnes dans toute leur complexité, porteurs de joie et de déception, de tendresse et de frustration, d'ambition et d'incertitude, souvent dans le même cadre.
C’est peut-être la raison pour laquelle son travail continue de résonner des décennies après la première prise de nombreuses photographies. Même si les réalités politiques qui les ont façonnés appartiennent à un moment particulier de l'histoire, leurs émotions restent remarquablement familières car elles parlent d'expériences qui transcendent le temps : le désir d'appartenance, le besoin d'être vu, la recherche de sens et la détermination de préserver sa dignité même dans des circonstances difficiles.
L’engagement à documenter les vies au-delà des limites étroites de la photographie de lutte est peut-être plus évident dans Rumeurs/2026présentée au Standard Bank Art Lab à Sandton, la première exposition après sa mort en 2020.
L'exposition se déroule à travers trois corpus d'œuvres qui, bien que produites à différents moments de la carrière de Mofokeng, se parlent de manière profonde.
Le premier, L'album photo noir/Regarde-moi : 1890-1950est composé de portraits en studio collectés par Mofokeng au fil de nombreuses années. Commandées par des familles noires de la classe ouvrière et de la classe moyenne, les photographies existent en grande partie en dehors des archives officielles et des collections institutionnelles, mais elles offrent pourtant l'un des enregistrements visuels les plus fascinants de la vie des Noirs sud-africains à la fin du XIXe et au début du XXe siècle.
En regardant les portraits, on est immédiatement frappé par l’intention qui se cache derrière eux. Les familles vêtues de leurs plus beaux vêtements se composaient soigneusement devant la caméra, conscientes que l'image créée leur survivrait probablement.
L'exposition se déplace ensuite vers Concert à Sewefonteinune série qui retrace un moment de libération collective entre ouvriers agricoles et métayers. Photographiées dans des conditions de faible luminosité et souvent remplies de mouvements, les images capturent des corps qui se replient les uns dans les autres à travers la danse, la musique et la célébration. Les photographies semblent exister quelque part entre la documentation et la mémoire, où le mouvement adoucit les bords du cadre et où le temps lui-même semble se relâcher.
